VIDEO Y FOTOGRAFÍA (I)
Empecemos por W. Benjamin que habló mucho y profundo sobre la Fotografía. Es conocida su afirmación de que: “Si se considera lo distintivo de las imágenes surgidas de la memoire involontaire el tener un aura, entonces la fotografía ha contribuido decisivamente al fenómeno de la decadencia del aura”. Esto nos obliga a desvelar: Qué es el aura y qué es la “memoire involontaire”. El aura que para Benjamin, en su formulación más conocida, es: la manifestación irrepetible de una lejanía, por próxima que ésta sea. ¡Bien! No hace falta ser muy listo para no comprender nada. Benjamin en su conocido texto “el arte en la época de su reproductibilidad técnica” no quiso o no supo explicarse mejor. Afortunadamente hay otros textos en los que estuvo más locuaz.
Benjamin parte de la mirada: “...a la mirada le es inherente la expectativa de ser correspondida. Si su expectativa es correspondida... le sobreviene entonces la experiencia del aura en su plenitud” Traspone entonces “un modo de reacción normal en la sociedad humana a la relación de lo inanimado o de la naturaleza con el hombre”. El aura se origina en las relaciones (miradas) humanas entre sí pero puede trasponerse a las miradas entre humanos y objetos inanimados o naturaleza.
Benjamin pensaba que el arte había pasado por tres etapas bien definidas. En primer lugar la cultual, ritual. En segundo lugar la profana desde el renacimiento al romanticimo y por último la moderna,”l’art pour l’art” “arte puro que no solo declina cualquier función social , sino incluso cualquier determinación basada en un contenido objetual” . De alguna manera estas tres fases son aditivas de modo que no se anulan sino que se suman. Creo que de esa fase ritual, cultual proviene la lejanía. Arcano, misterio, insondabilidad. Lejanía en el sentido intelectual, histórico, epistemológico. “Lo esencialmente lejano es lo inaccesible: de hecho la inaccesibilidad es una cualidad capital de las imágenes del culto”¿Mítica?
Para él el aura se aposenta en la “memoire involontaire” es decir: no consciente, en contraposición a la “memoire volontaire”, tan próxima a los aparatos: foto, cine, etc. Pero aquella “memoria involuntaria” escapa al recuerdo. Es por tanto irrepetible. ¿Inconsciente?
Cuando remata: “por próxima que ésta sea” -y aquí todo son conjeturas- creo que se refiere a que por mítica e inconsciente que nos parezca, es, sin embargo, una experiencia perceptual actual. De ahora mismo. Aunque, tanto lo mítico como lo inconsciente se ubican en la lejanía, percibimos el arte como algo actual, próximo, nuestro.
El aura es una halo. El halo que lo actual (real) trae de lo mítico (inaccesible) y lo inconsciente (irrecordable).
Benjamin siempre ligó La fotografía (y el cine) a la reproductibilidadb técnica (mecánica). “El ámbito entero de la autenticidad se sustrae a la reproductibilidad técnica (y por supuesto no sólo a la técnica)”. “La noción de autenticidad se basa en el aquí y ahora del original”. Y aclara: “Incluso en la reproducción más perfecta falla una cosa: el aquí y el ahora de la obra de arte, su existencia irrepetible en el lugar en que se encuentra”. “En la medida que el arte persigue lo bello, lo reproduce, lo rescata de las profundidades del tiempo. Lo cual ya no ocurre en las reproducción técnica (en ella lo bello no tiene sitio)” “La técnica reproductiva, al hacer que el recuerdo voluntario y discursivo se encuentre constantemente alerta, reduce las posibilidades de juego de la fantasía”. Estamos ante una tautología. La obra de arte es auténtica, original, bella e irrepetible, y como irrepetible no puede ser reproducida sin dejar de ser lo que es. La belleza y la fantasía están excluidas de la reproducción.
Los griegos solamente disponía de dos formas de reproducir: fundir y acuñar. Produjeron bronces, terracotas y monedas masivamente, el resto de los objetos eran irrepetibles. La Edad Media añadió la xilografía, el gravado y el aguafuerte. En 1796 Sonefelder inventa la ltografía. Ésta supuso una revolución en las artes gráficas, las revistas ilustradas y los periódicos. La fotografía, aparecida pocas décadas después supuso la auténtica conmoción. Pero el invento de Niepce y Daguerre patentado en 1939 no era reproducible. Es el invento del negativo por parte de Fox Talbot en la misma fecha quien lo conseguiría. La fotografía inicia la reproducción técnica cancelando la reproducción manual o artesanal. Sustituye la mano por el ojo en el proceso de captación de lo real. Añade una perfección y una rapidez antes jamás soñadas. Y sobre todo, es reproducible masivamente.
“Pero mientras lo auténtico mantiene toda su autoridad frente a la reproducción manual, a la que por regla general tacha de falsa” (o copia) “no sucede lo mismo con la reproducción técnica” Y esa autoridad vacila por cuanto la reproductibilidad técnica añade dos nuevas características al original. Destaca aspectos no accesibles al ojo humano (ampliación, sobreimpresión, cámara lenta...) lo que se llamará el inconsciente óptico, y le permite llegar a contextos inasequibles para el original (oir en casa un concierto). En contrapartida la autenticidad de la obra de arte (abarcando desde su duración material hasta su valor de testimonio histórico, su irrepetibilidad y su inaccseibilidad) desaparece. Todo lo que desaparece es lo que incluimos en el concepto de aura, por lo que la reproductibilidad técnica atrofia el concepto de aura.
La aparición de la fotografía hizo que los que confundían arte y mimesis se sintieran amenazados por un dispositivo técnico que con tanta perfección y rapidez captaba la realidad. Como defensa surge “ese concepto filisteo de arte al que toda consideración técnica es ajena y que se siente amenazado de muerte por la aparición de la nueva tecnología”, y como reacción, los partidarios de la fotografía defendieron, no tanto su consideración como arte (clásico), sino su aceptación como un nuevo tipo de técnica artística.
La fotografía inicialmente se produjo artesanalmente. Fueron lo artistas productores de miniaturas en marfil (retratos) los que se hicieron fotógrafos para defender su campo. Es esta época la que produce brillantes fotógrafos como Nadar, Hill (pintor retratista que utilizaba las fotografías como medios auxiliares para sus retratos aunque ahora es recordado por sus fotografías), Cameron, Hugo (y Le Gray). La industrialización se inicia con la aparición de la tarjeta de visita con foto de Disderi, el negativo (múltiple) en vidrio y los bajos precios en 1853
El encanto de esas primera fotografías radica en varios puntos. La larga exposición requerida obligaba a la inmovilidad del modelo que en su imperfección generaba ese halo que es típico de las fotos de la época, halo que desaparece con el perfeccionamiento de la óptica y que volverá a ser buscada por los fotógrafos posteriores como efecto. Los orígenes artesanos de los fotógrafos transmitieron a sus fotografías el aire artístico que desaparecería con la industrialización (la intrusión de los comerciantes, la generalización de los negativos y el abaratamiento de las copias). El hecho distintivo, frente a la pintura, del inconsciente óptico (desvelamiento de parcelas no conscientes de lo real) realizada mediante los instrumentos auxiliares: collage, sobreimpresión, ampliación, retardo, etc. El desarrollo de la incipiente técnica que convierte a los fotógrafos en investigadores científicos, con continuas innovaciones frente a una pintura que técnicamente estaba congelada. El desarrollo de la fotografía como técnica auxiliar de la pintura (Hill) que alcanzará su climax con Muybridge y Marey, pero también de la ciencia. El retrato (representativo, institucional) es el campo privilegiado de esta fotografía.
La fotografía cae en manos de los comerciantes y deberemos esperar hasta cincuenta años después para que aparezca una generación de nuevos buenos fotógrafos. En un retrato en pintura sobrevive el pintor. En un retrato fotográfico sobrevive el modelo. La fotografía trasmite verdad y el tema es más importante que el autor. Evidentemente pesa el vacío que los artistas hicieron a los fotógrafos durante un siglo, pero en su defensa debemos decir que la fotografía, tras los pioneros, fue pasto de los comerciantes (como autores) lo que redujo su calidad a extremos ínfimos..
Atget nació 37 años más tarde que Nadar o Le Gray (1857). “El fue el primero en desinfectar la sofocante atmósfera extendida por el convencionalismo de los retratos fotográficos”. “emancipó el objeto del aura...”. “Quitarle la envoltura a los objetos, hacer trizas su aura” Sus fotografías está vacías (de gente), pero ni son solitarias ni son íntimas porque esas, son categorías de lo humano. Sanders nació 20 años después (1876). La idea del retrato se transfiguará. Aparecen ante la cámara hombres que no servían para ser fotografiados. Ya no era un retrato propiamente dicho. “este fotógrafo ha practicado una fotografía comparada, adquiriendo con ello un punto de vista científico...” Entra en juego la sociología cuando parecía que lo único que parecía estar en juego era la estética. “El arte como fotografía”. A este giro se añade que un cuadro o una escultura se aviene a se aprehendida en foto mucho mejor que en la realidad (lo mismo podríamos decir de la sociedad). Así, los métodos mecánicos de reproducción ayudan al hombre a adquirir ese grado de dominio sobre las obras sin el que no podría utilizarlas. Veinte años después nace Germaine Krull (1897). “Al emanciparse de interese fisionómicos, políticos o científicos, la fotografía se vuelve <
Lo creativo se convierte de fin en medio y la fotografía se pliega a la publicidad y a la moda. En este punto abandona Benjamin su análisis a la vez que abandona un mundo invadido por el nazismo. Era 1940. Benjamin no se pone del lado del arte en la “querelle” abierta con la fotografía. Considera el arte con aura y a la fotografía sin ella, pero también considera al arte moderno “l’art pour l’art” carente de aura. Es más, considera un logro de la fotografía que acabe con el aura. Considera filistea la posición del arte al desahuciar la fotografía por su relación con la técnica. Cree que la controversia de “la fotografía como arte” debería invertirse a el “arte como fotografía”. Admite los argumentos de Arago en defensa de la fotografía como invento y como técnica llamada a desarrollos importantes en el futuro. Está abiertamente en favor de la primera generación de fotógrafos y no menos de la segunda. Por último escribió mucho sobre fotografía. Benjamin es un progresista y esta rotundamente a favor del nuevo arte... aunque no lo sea.
ob-art Febrero 2011
